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流氓和紳士共舞 新英倫時代來了么(轉載-音樂周刊96期)-2006.3.2

打“石玫瑰”(The Stone Rose)和“史密斯”(The Smiths)被樂評人定義為英倫搖滾(Brit-Pop)開始算起,從“綠洲” (Oasis)的流氓兄弟到“收音機頭”(Radiohead)所感召的文藝青年再到“酷玩”(Coldplay)彬彬有禮地席卷世界各地的電台和音樂雜誌封面,英倫搖滾已經有20年歷史了。嚴格意義上講,從“收音機頭”的專輯《Kid A》開始,已經很久沒有如同90年代中期那樣激動人心的英倫搖滾專輯出現了。文藝青年們在英國搖滾樂隊中逐漸銷聲匿跡,倒是新一撥的流氓們越鬧越歡,逐漸發展成一股不可小覷的力量。就在最近,一支有著濃重朋克味道的樂隊“北極猴子”(Arctic Monkeys)正在躥紅,被眾多喜歡造星的英國音樂雜誌捧為新一代英國搖滾的希望之星;在早些時候,以弗朗茲·婓迪南(Franz Ferdinand)為首的一批複古搖滾樂隊迅速躋身一線樂隊之列,就連產自美國的“敲擊”(The Strokes)樂隊也是被英國人賞識之後才紅遍全世界的;而像“集團聚會”(Bloc Party)和美國的“剪刀姐妹”(Scissor Sisters)這樣“吉他搖滾+電音”模式的樂隊更早就在英國音樂圈樹立了相當好的口碑……顯然,新一倫的英倫搖滾浪潮已經悄然開始了,無論他們是否可以達到90年代黃金時期英倫搖滾的高度,他們都正在蓬勃地發展,並且,在把這些樂隊塞進CD機裡時,我們總是會聽到新的驚喜。而倘若要給這新一撥兒的英倫搖滾樂隊的音樂下一個定義,還真只能從90年代的英倫搖滾比著說︰在保留了經典的英倫吉他音樂基礎上,新英倫更接近搖滾樂,更豐富也更時髦;新英倫不那麼悶騷,喜歡直抒胸臆,更適合文盲和愣頭青來聽,通俗易懂、老幼咸宜。英倫代有流氓出大伙兒提到英國人時總情不自禁想在後面加上“紳士”二字,但是呢,英國盛產流氓這事兒幾乎跟“英國紳士”同樣著名。且不提臭名昭著的足球流氓,單說“朋克”這個東西,它幾乎比“披頭士”和“滾石”樂隊更深入人心,算得上英國文化退場門中的極品,而在英國朋克元年(1976)30年之後,又一個新的概念被提出了,它就是Chav。Chav這個詞兒具體起來沒什麼意義,這是個英國俚語,用英語發音讀的話應該念成“恰夫”,要是用法語就得念“剎夫”……但這並不是重點,這個牛津字典2004年的年度單字的字面意思跟“朋克”有著驚人的相似︰“Chav是一個帶有貶義色彩的俚語,現下在英國廣為使用。這個詞用來指那些被認為沒有受過太多教育、沒有文化並且有暴力傾向的下層青年或中青年典型。”(維基百科)就在這個詞兒作為一種社會現象在英國流行的時候,“北極猴子”樂隊出現了,於是,他們被不由分說地摁上了“Chav樂隊”的標籤。具體起來,所謂“Chav”的生活模式跟前些年在搖滾青年中流行的英國電影《猜火車》有點兒相似——當然,在其他國家其他文化背景下你也能找到相似的生活狀態——年輕人的憤怒絕望和彷徨總是如此相似。跟朋克相比,Chav所倡導或者說被定義的生活狀態更消極,更沒有建設性——他們連破壞的興趣都沒有;而更經典的英倫搖滾樂隊中動不動就來幾個藝術學院學生相比,Chav出身草根,對“藝術”不屑一顧。在音樂上,他們有著朋克和複古搖滾的血脈,並且表達模式自由隨意。比方說,在“北極猴子”的專輯裡,你可以聽到像斯卡(Ska)這樣歐美街頭青年喜歡的音樂形式,也可以聽到“四人幫”(Gang of Four)樂隊硬邦邦傻頭傻腦的朋克節奏,甚至還有美國朋克復興那一系樂隊常用的三和弦朋克流行樂。別以為“北極猴子”或者企圖當底層青年形象代言人甚至想要領導一輪新的革命,像“性手槍”(Sex Pistols)那樣憑一己之力羞辱整個國家的時代已經過去了,“衝撞”(The Clash)的革命態度和音樂上的創新之間所有年輕一輩的樂隊都只繼承了後者。這群來自英國二線城市謝菲爾德的猴子們只是喜歡惡作劇、喜歡唱反調,看看他們最熱門的歌曲《舞鞋》(Dancing Shoes)你就知道他們想說什麼了︰穿上你的舞鞋/你是性感的小豬/希望他們會找到你/而你最終也會到達/狗屎、震撼和驚悚/你可以預見到你變成新娘的模樣/那是如此荒謬……比“北極猴子”早些時候的“浪子”(The Libertines)樂隊同樣是英國新一代流氓代表,他們那個以毒品盜竊和耍無賴而聞名的前主唱皮特·多赫提(Pete Doherty)在3年前用自己的才華讓英國相信自己發現了新的超級明星;而兩年前此人的一系列失控事件則讓英國人又多了一個可以炫耀的超級流氓。現下多赫提有了一支叫“迷途寶貝”(Babyshambles)的樂隊,走的還是“浪子”樂隊時期的複古朋克路線,而由凱爾·巴瑞特(Carl Barat)繼續領軍的“浪子”樂隊則正在忙著樂隊後皮特時代的新專輯。穿上20年前的西裝弗朗茲·婓迪南所帶來的複古搖滾浪潮不僅僅讓英倫樂迷狠狠地驚喜了一下兒,就連時尚圈子也受到了這一批樂隊的震動。這四個哥們兒習慣穿著老式條紋西裝,把自己打扮得一絲不苟,舉手投足透著一股子時髦勁兒。這跟他們的音樂頗為合拍︰新浪潮和狄斯可混合在一起,風騷的老式搖滾吉他和讓人情不自禁搖擺的貝司線條——你甭想從他們這裡聽到史密斯和石玫瑰式的吉他音樂,也甭想讀到收音機頭式的詩,他們只是好聽、過癮並且時髦。這四個人在混出頭兒之後更加如魚得水,我是說,開始有大牌時裝設計師給他們設計衣服穿了,比方說,俄裔美籍設計師波洛科夫(Plokhov)的新銳時裝品牌Cloak就成了他們的御用品牌。說起來弗朗茲·婓迪南算得上這幾年蘇格蘭音樂的抗鼎樂隊,至少他們讓人知道了蘇格蘭人玩兒起音樂來並不是光有風笛和田園風光,也不光是清新的獨立流行樂團——蘇格蘭可不是英格蘭的土鱉親戚,他們那兒一樣有衝擊了整個英國音樂圈子的樂隊。來自英格蘭利茲的樂隊“愷撒首領”(Kaiser Chiefs)正是借著弗朗茲·婓迪南的東風混出頭來的樂隊,在他們嶄露頭角的最初,像《Q》、《NME》這樣的英國音樂雜誌忙不迭地把他們命名為“弗朗茲·婓迪南第二”,並歡呼英倫搖滾新浪潮的到來。按說現下這個年頭裡,真想弄出來個能翻天覆地的文化英雄是不大可能了,再沒有哪個英倫樂隊能像“收音機頭”那樣代言整個兒一個群體,而這一輪“英倫搖滾新浪潮”所能帶來的不過是幾支可以被劃分到一起的樂團、幾張堪稱經典的專輯和幾年裡各獎項的青睞而已。在“愷撒首領”這兒,有一點值得一提,他們多少還是繼承了“污點”(Blur)時期清新的英倫流行吉他,頗有幾份Brit-Pop昔日的神采,就連他們的處女專輯都是“污點”經典專輯《Parklife》的製作人史蒂芬(Stephen Street)幫忙做的,所以呢,英國人對他們更偏愛一點。“硬保真”樂隊(Hard-Fi)是我個人比較欣賞的一個團伙兒。他們跟與弗朗茲幫不太一樣,如果說弗朗茲·婓迪南等樂隊把偏懷舊的新浪潮抽提出時髦的元素創造了一種時尚的話,那麼硬保真所涉獵的音樂元素像斯卡、Hip-Hop和吉他搖滾則更讓廣大青年流氓感到親切,生命力更加旺盛。這伙兒來自西倫敦的樂隊正跟他們地區的英超樂隊切爾西一起走上巔峰,當然了,切爾西隊是不太能跟硬保真這樣的獨立樂隊相提並論的,一個是搶了蘇俄民眾的錢往足球上砸的俄羅斯商人阿布一手弄出來的,而硬保真樂隊則是憑借自己的努力真刀真槍地做出了好音樂。關於對錢的態度,他們在自己的熱門歌曲《領款機》(Cash Machine)中已經唱過了︰我總是在支付, 從沒有主控權/但是你不能往後看/我有點兒懷疑我是否真的有過錢/但我只能相信它/我正在為領款機工作。瞧,他們在說信用狀這個陰謀,這首歌的走紅看來不光是他們在音樂上的創新,能讓諸多為生活壓力所迫被信用狀賬單追著使勁兒加班的人群倍感親切引起共鳴也是相當重要的原因。而從這樣的歌詞我們也可以看得到,新一撥兒的英倫搖滾正在從孤芳自賞的文藝腔調中走出來,變得更市井、更有親和力。 文/史迪 更新時間︰2006年03月02日 文章來源:http://211.137.43.156/mw/site/rview.external?sp=l1167 Full story

新世紀民謠玩變臉(轉載-音樂周刊97期)-2006.3.17

新式、自由、古怪、迷幻、前衛……新世紀民謠玩變臉智慧之河的大同世界民謠,似乎是最為悠遠和平民化的藝術創作形式。時光追溯至早遠的年代,勞作中的人們嘴裡哼出來的小調,就可以被看作民謠音樂創作的雛形。它無所不在,是真正來源於生活的聲音,大家用它來傾訴愁苦、慰藉生活、嘲諷權貴、訴說不平,甚至用音樂來製造和傳播謠言。之所以取謠言的“謠”,或多或少怕也是基於這個原因。民謠的創作並不求紀錄於歷史,當今世界各地最令人向往,讓酷愛行走的山水玩家最感到神往和樂於尋找的本土聲音,往往就是這些“民間小曲”。民謠生命力頑強,作為來自於生活最底層的聲音,它漫長的發展路程上,無論在東方、西方,古代、現代乃至後現代階段之中,從未被擁有話語權力的階層所重視,它們像是流淌在民間生活之中源源不斷的智慧之河,總是保持著自身幽靜而又充滿活力的特質。在東方印度、阿拉伯國家,人們很早就發現了這種音樂形式與宗教的淵源。他們發明了諸多種音色優美、富有神聖感的樂器,配合著詩意誦讀和虔誠祈福,點燃著對於宗教的狂熱和執著。在中國,民謠音樂成為民族的藝術亮色,幾乎各個民族都能歌善舞,它們用勞動的斬獲,用自然草木製作各種樂器,幾乎每一個民族都有自己的拿手好戲;在中亞和東歐之間,在高寒的亞美尼亞高原等地,人們創作了上百種吹奏和彈撥樂器,充實著他們隔絕寒冷和寂靜的時光;在歐洲雄偉的封建城邦帝國,鄉間的樂人拿出自己的樂隊,暗暗播送著心頭的抑郁和對於當時中世紀炎威封建制度的無情譏諷,民謠成了智慧和反抗精神的代名詞;而在俄羅斯,在日本,在非洲、南北美洲,人們生活的窮苦卻無法阻礙智慧的豐富,幽默精干的譜曲,匪夷所思的奇妙唱腔,古怪的小手法,迷人的和聲,造就了這些世界各處原發藝術生態最為自我的面孔。與那些奢華貴氣的宮廷御音,歌舞升平、朱門酒肉的豪音官竹,頹廢萎靡的放浪和慾望的聲音形成鮮明對比的是,民謠在一種質樸的剛勁,看似隨意,其實最為具有力量。世界進入近代之前,難以計數的有緣人譬如貧窮詩人、作家、民間歌手、在社會邊緣行走而又充滿精神追求的人們總是愛著這一音樂形式,它們的心靈受到了民謠音樂最為真切的慰籍。四十餘年前的無心插柳民謠千古流傳,其原發自由的精神從未更變。到了二十世紀,另一種來自底層,所受的鄙夷和迫害最深,卻又同樣充滿著對於自由渴望的名詞開始與民謠搭班而行,它的名字叫“迷幻”。迷幻真正和民謠結緣是在二十世紀60年代的中期。結合了東方主義的道統信奉,以一種先鋒的激進創作態度變革民謠音樂;它們充滿矛盾,在崇尚自然的同時,又擺脫不了對於藥物的追求;它們受到垮掉文學,超現實主義視覺藝術影響,伴隨著世界範圍內社會運動的洪流,對於政治和社會生活由衷厭倦;它們開辟著腦力中最為荒誕的思惟狀態,建構了最令人詫異和不安卻為之擊節叫好的藝術進路。當更多的年輕人,將自己敏銳的音樂鬚子伸向二十世紀蓬勃開展的流行音樂潮流之中時,民謠音樂逐漸走入流行文化,他逐漸深入流行音樂的各種風格之中,在成為一種清新可口的菜品同時,也被賦予了更多的時尚感和更多的迷幻風格。關於當前迷幻民謠(psyche folk)的來源,10個人可能會有10種說法。但普遍看法是,60年代的迷幻運動無疑是叩門之石,迷幻之於搖滾和民謠幾乎是同時的。這一運動也許並沒有激浪來得灑脫,也沒有超現實真正的閉市求仙和波普運動來的洶涌,但卻是一場滲透力極強和曠日持久的運動。搖滾樂激進敏銳的嗅覺率先聞到這一藥香,它銳氣十足,卻又迅速化為美麗煙花。說白了,搖滾並不爭氣。反而是民謠,賴於千年的根基、低調的態度和自由豁達的意境,成為真正將迷幻推演到今天音樂舞台的活躍藝術形式。真可謂無心插柳,柳滿枝芽。新千年交變之際的回歸本我在迷幻民謠的後續發展中,在一些人僅僅認為其未來將走向新世紀音樂(New Age),或是具有宗教性的唱詩誦讀時,迷幻民謠的能量已經被極大的低估。其實,到了80年代中後期,這種創作形式不但沒有日漸狹隘和枯萎,反而真正進入了屬於自我的樂土,一些來自於地下的音樂創作者,專業或不專業的藝術愛好者,積極開創獨立創作和獨立製作的新領域,這些隨後成為郵購和網路廠牌創辦人的眾多熱心人,也因此建立了真正意義上的第一代D.I.Y廠牌生力軍。取而代之於所謂的唱誦民謠和所謂的披著世界音樂外衣的簡陋電子樂,迷幻民謠已經成為既立足於道統之上,又充滿著研發和探求能力的現代聲音,他們將天才人性和民謠道統相結合,也真正在遠古和未來之間搭建了神奇的橋樑。如前所述,順及“不可思議的弦樂隊”(Incredible String Band)的直接影響,馬特·瓦倫丁(Matt Valentine)、P.G Six開始了他們在美國的新一輪民謠夢幻,這時候已經是電化手法和道統樂器的交疊運用,已經有了東方主義和西方理念的無縫鏈接,他們的“城堡唱片公司”(Tower Recordings)成為後來新千年迷幻音樂的發軔石之一;在芬蘭,還有更為豐富的景色,其中簡 安德森(Jan Anderzén)等人,是當地的發端者,這些很多在初期充當了朋克、車庫(garage)、前衛(avant)、怪異民謠(weird folk)以及其它低保真(Lo-Fi)形式音樂傳遞者角色的人們,到了後期,則書寫著一種從自發醞釀到自覺的演進史,發展出一種激進的、鏗鏘的、段落性的創作模式,一種更為荒誕的、寫意的、大膽的、慵懶和氛圍化的前衛創作。可以說,唱片對於荷爾蒙的迎合力幾乎完全喪失殆盡,但音樂的能量和拓展性卻讓多門聲音藝術望塵莫及。時光進入2000年以後,“鑲嵌鑽石的鹿角”(Jewelled Antler)躍入了人們的視野,這是一個美國舊金山的音樂廠牌,也是頗為值得一提的新千年名詞,它的出現真正實現了一項重要的迷幻音樂理念,就是粉碎搖滾、器樂和聲音藝術領域的界限,而實現這一突破的正是源於他們的作品中對於自然音景、簡約聲音藝術以及拼貼手法的大量運用。隨後的眾多迷幻民謠開始大量的使用到這一方法,並且加以突破,開發到更為野性自由的音樂創作。此外,德國、法蘭西、英國、紐西蘭、紐約布魯克林等地的創作者更是將噪音廣泛的融入到了迷幻民謠創作之中,誕生了一大堆受人矚目的音樂創作。今天,迷幻民謠已經鋪開在歐美日實驗音樂創作領域,尤其是近年,很好地結合了郵購代銷和網路D.I.Y廠牌運作的模式,鋪展在了很多追求前沿創作形式的愛好者眼前,他們的精彩呈現下音樂的原創性、手工創作的藝術性和限量的魅力上,令人目不暇接。雖然創作水準倒也顯得參差不齊,但由於對於新的經營和維持模式的借鏡,他們的創作活力保持得很好,依然單純、精美,源頭總有活水流淌。當今迷幻(或新式)民謠生態群落2004年的某天,在倫敦的當代藝術中心的舞台上,來自美國的民謠女歌手喬安娜·紐瑟姆(Joanna Newsom)頗顯得引入注意,在不久前才發行了新專輯《Milk-Eyed Mender》,如今於現場中演繹其中的精彩片斷,台上的她將精巧而略顯張狂氣質的歌聲伴隨著疊疊的豎琴聲悠然地送出,一種遁跡於塵世之外的修行冥想之音縈繞於耳際。紐瑟姆和其他像德文德拉·班哈特(Devendra Banhart)這樣已獲得地下突破的音樂藝人正是當今被稱之為“新式怪異美國民謠”(new weird folk)景象之一角。當你聆聽班哈特的專輯《Nino Rojo》時,在其個人的柔和顫聲中可欣賞品味到民謠音樂中特有的睿智,你同時也可領略到班哈特在詞作方面親疏遠近的張力彈性,而如果你想循著這個軌跡做進一步探索時,你就必然會找到崛起於費城的迷幻民謠團契“Espers”,他們的同名處女專輯和迪文的作品同樣具有“對民謠和迷幻搖滾樂相互融合的興趣”,也就是將多諾萬(Donovan,英國第1個迷幻歌手)、“酒宴之神”樂隊(Comus,英國60年代末的民謠團契)和“不可思議的弦樂隊”這樣的各色老民謠來個新千年下的再合成。具有以上相近歌曲創作傾向的還有來自法蘭西的搞怪倆姐妹團契“可可羅希”(CocoRosie)、酥骨唱腔的民謠女藝人約瑟芬·福斯特(Josephine Foster)以及有段時間沒有露面的瓦什蒂·布尼安(Vashti Bunyan,英國民謠女皇)和琳達·珀汗克斯(Linda Perhacs),這些藝人們都因整個新式民謠運動的良好勢頭而獲得廣泛的聽眾,但這些民謠藝人的作品與一些創作於家中錄音室、紐約鄉下倉庫以及鄉野田園中的古怪而具有宇宙深邃感的音樂來說,卻也只能算是入門的級別。像“晒黑的人手”樂隊(Sunburned Hand Of Man)、“準入的六風琴”(Six Organs Of Admittance)樂隊、“五百毫克”(500mg)樂隊、“無頸布魯斯樂隊”(No-Neck Blues Band)和傑克·羅斯(Jack Rose)這一群藝人則基本都使用粗糙而原始的原音器樂、自由爵士以及嬉皮士作派的迷幻聲音來進行音樂創作,最後作品一般都製作成手工的刻錄CD或者是限量發行的黑膠唱片。“五百毫克”的麥克·吉本斯(Michael Gibbons)曾經說道︰“這些民謠藝人一直所追求的都是極為個人化的音樂和人性化的聲音。”... Full story

創意改變世界(轉載)-2006

撰文/ Athena20世紀90年代,英國最早將“創造性”概念引入文化政策檔案,並且在1998年出台的《英國創意產業路徑檔案》中明確提出“創意產業”這一概念。不過,創意產業的真正來源卻是澳洲,90年代初,澳洲首先發表文化政策,提出“創意國族”(CreativeNation)的概念。由此,“創意”這個概念悄悄在世界範圍內蔓延,並最終成為了改變世界的力量。歐洲某咨詢公司的詢問表明,倫敦、紐約、東京、上海最有可能發展成為全球四大創意產業發展中心。但是,隨著創意產業的不斷發展,“創意城市”已經成為目前全球化發展的流行口號,並且是許多國際化大都市追求的品牌目標。也許,未來的世界裡,創意產業沒有中心,因為它已經無處不在。丹麥丹麥被稱為“設計立國”,而它的設計幾乎體現下了生活的每個方面,它不僅僅是童話王國,更是設計的王國。1992-1998年期間,丹麥文化創意產業的年平均成長率達到29%,是丹麥國民經濟中增長最快的行業之一。丹麥政府選擇了電影產業、音樂產業、新興媒體的內容生產、文化產業化作為其文化產業發展的四個重點領域。文化創意產業已經成為帶動丹麥經濟發展的一股最重要的力量。荷蘭這個國度有飛利浦有喜力啤酒等道統“老牌”,這個國度更有以庫哈斯為代表的荷蘭建築設計師,荷蘭風格的新現代建築給人們留下了深刻印象。英國世界上第一個政策性推展創意產業發展的國家,1997年,英國政府成立“創意產業特別工作組”,到2001年,英國的創意產業產值約為1125億英鎊,占GDP的5%,已超過任何製造業對GDP的貢獻。英國經濟開始從製型式向創意服務型轉變。倫敦是英國的創意之都,也最早提出“創意城市”的理念。英國三分之一以上的設計機構都位於倫敦,產值占設計產業總產值的50%以上。倫敦的音樂產業產值也達到15多億英鎊,大約占英國音樂產業產值的一半。廣播與電視產業一半以上的雇員在倫敦工作,全英國1100多家獨立電視機生產企業(2003年產值達15億英鎊)中,倫敦就擁有700多家。倫敦擁有全國85%以上的時尚設計師,倫敦出版產業的產值也非常可觀,達到34億英鎊,大約占全英國出版產業的36%。倫敦也是英國的遊戲產業中心,還是全球三個廣告產業中心之一。瑞典擁有全國 1/5就業人口的斯德哥爾摩,佔有全瑞典1/3的文化產業人口,在文化密集區文化人口占了73%,甚至在非文化密集區也有53%是文化人。酒牌Absolut Vodka、家居品牌IKEA和服裝品牌H M等是他們在創新經濟模式下的超級品牌,另外更有Volvo、愛立信等知名品牌。除此以外,瑞典的文化創意產業也非常有代表性。瑞典是全球第三大音樂輸出國,而瑞典的汽車與建築業更是在國際市場上大獲成功,因為它擁有頂尖的高科技和新生的設計力量。法蘭西眾所周知,設計業是法蘭西創意產業的重點,它涵蓋了產品設計、服裝設計、時尚設計、企業形象設計、視覺傳達設計、環境設計、包裝設計、設計研究等。據法蘭西工業設計促進協會預測︰法蘭西設計業的年營業額約為22~30億歐元。法蘭西絕大部分的設計公司位於巴黎,集中了全國55%的設計公司。 美國美國的創意產企業所有人要體現下版權產業,在對 GDP的貢獻和創造就業兩方面,它已經持續超過美國經濟中的其它部門,同時在美國退場門增長中也扮演著日益重要的角色。即使是在2002年遭遇盜版和全球整體經濟衰退等狀況,美國核心版權產業中四個部分的海外銷售和退場門仍然增長了1.1%,達到了892.6億美元。為了保護版權,美國還發布了一系列版權保護法規,形成了全球保護範圍最廣、相關規定最為詳盡的法律系統。... Full story

什麼是視覺系(轉載)-2006

什麼是視覺系(轉載)-2006
  視覺系搖滾,英文名為Visual Rock。起源於20世紀70年代的歐美。視覺系搖滾是在時代進步,人們不再局限於聽覺上的滿足而追求視覺衝擊的基礎上產生的。科技發展,電視機、錄影機、影碟機的普及也促進了視覺衝擊的到來。視覺系是用服飾和化妝來表現音樂,樂隊經常染不同的發色,穿不同尋常的服飾。在這些樂隊中往往還有一兩位成員穿女性化的服飾。從音樂角度看,視覺系是歐美陰陽搖滾、華麗搖滾、誇張搖滾的繼承和發揚,歐美的代表人物有“喬治男孩”等。  日本是視覺系搖滾最肥沃的生存土壤。日本視覺系是受歐美“奇男搖滾”(Glam Rock)和新浪潮的影響於20世紀80年代末創立的。他們可以說是把歐美視覺系的精髓都學來了,妝化得不但更大膽、嫵媚,其音樂品性也決非是拾人牙慧的水準,無論是配器、編曲,創作精神及商業運作,日本人都技高一籌。  視覺系音樂  視覺系音樂不僅僅是搖滾樂,種類其實是十分多樣的。比如︰流行搖滾、重金屬、哥特搖滾、古典/巴羅克式音樂等都存在著視覺系的影子。視覺系樂隊在歐美不在主流範疇之內,在日本雖然較為繁榮昌盛,但是有很多視覺系樂隊在吸引了大唱片公司的注意後,就逐漸脫離了視覺系的行列,演變成了主流樂隊,視覺系便成為了他們嘩眾取寵的工具。正宗的視覺系音樂應該是服飾與音樂類型緊密結合、相映成輝,誇張的型式不應該只是服務於音樂,而應是渾然一體。在現下HIP-HOP,R&B占主流的樂壇,視覺上的享受只是招牌,發掘其音樂本質中的美才是最重要的。  視覺系在日本  視覺系在日本樂壇無所不在,幾乎沒有幾個男歌手不以大膽、雌雄同體的視覺系裝扮出現。  究其原因,首先日本自古以來就有“崇妖”心理和“藝妓”的存在,在接受度上有其歷史根源。其二,日本的年輕人追求新鮮刺激,尤其是年輕女性,她們最捧爭奇斗艷的商品,妖媚的視覺系藝人對她們的吸引力不言而喻。模仿視覺系藝人能使他們成為最炫、最酷的焦點,這應該算是一種追求華麗的虛榮表現。其三,日本人的壓力是居世界首位的,年輕一代的壓力來自學校、家庭、社會等多個方面,視覺系音樂正是他們逃避、發洩的理想工具。  視覺系在日本發展初期,分為“妖魔派”與“唯美派”兩類,目前日本視覺系搖滾樂團的取向則趨於多元。著名的月之海(Luna Sea)樂隊是重金屬的代表,GLAY的曲風較為流行,而彩虹樂隊則是英倫和迷幻並重。l‘arc-en-ciel,glay,luna sea,X-Japan……如今這些樂隊的名字對很多喜歡日本音樂的朋友來說已經不陌生了.隨著這些樂隊在香港台灣以至於廣大的中國內陸的走紅,"視覺系"這個名詞悄然流行了起來.但具體問起何謂"視覺系"卻是眾說紛紜.不過有一點是可以肯定的,那就是"視覺系"作為一種獨特的文化現象影響和推展了日本的音樂界並成為日本音樂界一道獨特的風景.在這裡,我們就先和大家一起探討和追述一下"視覺系"的淵源.七十年代末八十年代初,出現了已DAVID BOWIE為代表的"華麗搖滾".華麗搖滾以華麗的裝扮和現場演奏為特徵,而視覺系的重化妝就是受其影響.但兩者卻並不是一回事.視覺系並不如"punk"."R B"這樣的名詞一樣特指一種音樂類型,而是為象徵一個樂隊的存在而誕生的名詞. 在"VISUAL系"這個詞被普遍應用以前,人們會用"化妝系"."MAKE系"這些詞來稱呼這類樂隊.追究這一名詞的由來也是沒有一個確定的答案.很多人認為X在地下時代便有了"CRIME OF VISUAL SHOCK"這一說法(HIDE的命名^^)所以這個詞是X發明的.但著名的視覺系雜誌"SHOXX"90年創刊時也提出了"VISUAL SHOCK 系"這一說法並使VISUAL系這一說法固定下來也是個事實.但論"誰是日本視覺系的開山鼻祖?"這個問題答案幾乎是統一的棗縱橫日本音樂界十數年,在日本樂壇擁有不變的至高地位,即使解散仍另無數的歌迷魂牽夢繞的棗X!的確,沒有X就沒有如今的視覺系,但回顧當時活躍的band,卻也會有不少新的發現.回顧早期日本ROCK界,BOOWY,BUCK TICK,D‘ERLANGER等這些日本最老牌樂隊當時受歐美的PUNK,HARDROCK, GOTHIC,BLUES等的衝擊音樂路線呈現多元化,雖然他們並不都可稱為視覺系但卻也都是都是化妝派(看看當時年輕的布袋叔叔和冰室叔叔的樣子真的是……流汗……).當然更不用說受KISS影響的X了.(就好像早期日本的搖滾似乎天生和化妝有著密切的連帶關係).而其中對視覺系後來的發展產生深遠影響的除了當年的"X"還有"color"和 "D‘ERLANGER(kyo和craze的瀧川一朗和菊地哲)".特別是"X"和"color",當時這兩個樂隊分立關西關東,雖然音樂風格不同,但都以過激的現場和誇張的型式和化妝為特徵.可以說他們就是如今日本視覺系樂隊的雛形.由於當時他們的風格並不被傳媒接受,為了展現自己與主流相對的強烈的個性和獨立的音樂性,這兩支樂隊不約而同的建立了自己的indies label:X的yoshiki設立的 "extasy records"(當時提拔了ladies room,Zi‘kill以及後來的lunasea)color的D.tommy設立的 "free will ... Full story

亞洲創意新首都 曼谷(轉載)-2006.08

由設計、音樂、營銷到時尚,曼谷正吸引全世界的目光,為什麼泰國在這波「東西交會」的全球化洪流中,能異軍突起?《數位時代雙周》在今年七月走訪曼谷,為你帶回來三分感性、七分理性的解答…… 數位時代雙周》鄭凱維 2006.8卷動美國中央情報局(CIA)的「國情咨詢」網頁,「泰國」的經濟表現並不會太搶眼--面積五一.四萬平方公里,人口六千五百四十四萬,每人平均所得八千一百美元。但環顧生活周遭,泰國生活美學產業,卻正快速襲卷全球,不管是倫敦、巴黎、東京或台北。二○○四年,全球最受注意的家具設計師猶登(Udom Udomsrianan),來自曼谷,他以藤條編織的小巧椅子,既道統又現代,大受歐美顧客歡迎,在紐約蘇活區家具店的售價是一百八十一美元一張。二○○二年,全球發行量最大的旅行雜誌《Cond.Nast Traveller》舉辦一年一度「最佳旅館」調查,位于泰國普吉島的阿曼普禮(Amanpuri)渡假旅館,被全世界八十三萬投票者選為「亞洲第一名」,而這已不是第一次由泰國奪冠,位于曼谷湄南河邊的文華東方酒店(Mandarin Oriental),在之前就已掄元多次。以「聽海」著名的阿曼普禮,一晚濱海Villa住宿的房價,是由一千三百二十五美元起跳,約是台北遠東飯店房價的八倍。一九九八年,中東阿拉伯聯合大公國籌辦王室婚禮,耗資千萬美元,並創下籌辦活動「開國際標」的先例,歐、美廣告公關巨人紛紛大軍壓境,結果居然是由來自泰國、名不見經傳的營銷公司「指針媒介」(Index event agency)拔得頭籌。工業獨大時代已遠 泰式美學經濟產值驚人「曼谷,正踩在全世界最流行的邊界上,」台灣品東西家具總經理鄧學中指出。在去年創辦品東西之前,鄧學中經營生活工場家飾聯鎖店,就已大量採用曼谷年輕設計師的設計作品,將店面打造出一種特有的現代輕鬆、慵懶人文的風格,「泰國自然環境豐富,人有感性,」鄧學中分析︰「如果讓他們碰觸到歐、美城市人的生活,立刻就可以創作出東、西並濟的摩登設計,全世界少有人比得上。」數字能說話,近年曼谷在創意產業的爆發潛力,確實不可小覷。若將生活美學產業粗分為「娛樂」、「設計」兩大類目,在娛樂產業上,二○○四年泰國的流行音樂整體產值突破一百二十億元泰銖(約近九十三億新台幣),年成長幅度超過一五%以上,連「國片」電影也有三成以上市占率;在時尚與設計產業領域,二○○四年,由電信大亨出身的總理塔克辛(Thaksin Shinawatra)帶頭,啟動「時尚曼谷」計畫,一舉把泰國設計產業的退場門總值拉過三千億泰銖(約二千三百二十億新台幣),時尚紡織產品退場門的金額更突破一千三百億泰銖(約一千零一十億新台幣),年成長率高達二○%。台灣的股市以「電子股」知名全球,有趣的是,在曼谷的股票市場中恰有一個欄目,就叫「美學娛樂類股」,當台灣來的訪客問道︰泰國設計新勢力最大的力量從何而來?「指針媒介」的執行長克霖凱(Kreingkrai Kanjanapokin) 腆回答︰「泰國人懂得如何生活,我們可讓生活變美(Tai people know how to live, we can make it beautiful!)。」他分析在過去「工業獨大」的二十世紀,泰國人對生活體驗的敏感、不知天高地濃的樂天性格,使他們無法掌握「精打細算」的製造業經濟。但到了「風格競爭」的二十一世紀,泰國人這樣的民族性,恰巧對應上了全世界工業社會「向往輕鬆生活」的需求,由泰國的音樂到曼谷的椅子,無一不大受歡迎,這樣的際遇,類似于義大利的家具、時裝和電影工業,于上個世紀七○年代接軌上西歐和美國的製造業一般,是時間的偶然,卻也是歷史的必然。跨國集團踢到鐵板 泰國娛樂工業實力雄濃從歷史上來看,泰國人或許不是天生愛好和平,但幸運的是,第二次大戰因英、法勢力的周旋,讓泰國因緣際會成為亞洲唯一未受戰火摧殘的國家,也因如此,儘管泰國過往經濟平平,更在亞洲金融風暴中受盡創傷,但泰國人卻能平和地看待生活周遭的一切。獲選泰國二○○四年最佳設計大賞的年輕設計師阿努亞克(Anurak Suchat)就解釋︰泰國人懂得如何多元地創造生活樂趣,即使杯水車薪,「他們一樣是吃得痛快、玩得盡興」,這種對生活的本能式體會,無異是「泰式美學」想像力和創造力的最佳基礎。走訪曼谷最著名的跳蚤市集「恰都恰」(Chatuchak),在亂烘烘的攤位間,亮眼的生活設計產品隨處可見,但你千萬別以為泰國的生活設計產業,都是這種漫不經心的小生意,事實上曼谷的娛樂工業已是亞洲最強悍的角色,也是全球市場裡唯一可和好萊塢與五大唱片集團角力的高手。二○○四年,全球唱片銷售量同步下滑萎縮,各地唱片業者與網路軟體公司大興訴訟之際,泰國最大的娛樂集團歌萊美(GMM Grammy),卻悄悄地寫下營收七十億泰銖(約五十三億新台幣)、唱片銷售量超過一千萬張、獲利年成長率超過三成的輝煌紀錄。比起土洋公司相加、營業額僅有四十四億新台幣、總銷售張數更不到二百萬張的全體台灣同業,歌萊美幾乎算是難以匹敵的巨人。站在曼谷市中心四十三層總部大樓窗口,華僑總裁黃民輝手指天際︰「下一步,我們的目標是整個亞洲,」他笑著說︰「各地唱片公司都學美國,唯有我們,知道怎么經營在地文化市場。」同樣讓台灣難堪的對比窘境,也出現下電影工業上。自一九九七年亞洲金融風暴之后,泰國電影創業家和政府連手,要以文化喚回民眾與市場的自信、認同,一連串高水準、精準市場定位的製作(從《幽魂娜娜》、《人妖打排球》乃至於《拳霸》),不僅內銷叫座(二○○三年泰國賣座冠軍《哈利玻特第三集》票房四千萬美元,但泰國本土片冠軍《靈異照片》(The shutter)也有三千萬美元),更可退場門,帶動「國片」電影產值大幅成長。去年泰國國片產量高達五十部,在亞洲直追日本,年票房超過十五億泰銖,市場佔有率與好萊塢拉成三與七之比,而對照台灣近五年國產片票房市占率,沒有一年超過二%的低水準門坎。內需與外銷市場的雙重提升,讓泰國文化產業發展露出曙光,但曼谷電影工業的企圖還不只于此,相較于韓國電影外銷以日本為大宗,泰國顯然更加具「國際觀」,繼在《海灘》(由李奧納多.狄卡皮歐主演,于泰國小島拍攝)一片與好萊塢打下合作基礎后,泰國肯達那電影中心(Kntana movie town)更于二○○四年重金禮聘電影《魔戒》製作人歐斯朋打造影城,援引《魔戒》在紐西蘭成功的模式,利用泰國天然景致與環境開辦一座世界級片廠,並為國際片商提供技術支持,連帶架構起泰國影藝工業的基礎,讓曼谷成為新的亞洲數字內容中心。外銷設計自有品牌 泰國設計師獲全球肯定這個策略大為奏效,目前在泰國開拍的外國影片超過二十部,每年赴泰國拍攝影視節目的外國團隊,幾乎都超過四百個,不少擔任電影后期製作的日本、韓國、歐美影音工作者,都移居泰國,連台灣錄音工程業界的第一把交椅沈勝德,都決定揮別台北,在曼谷成立工作室。接受泰國政府的委托,曼谷最大的活動營銷公司「指針媒介」在二○○四年成功地向全世界宣告「時尚曼谷」的到來,不單單只是在曼谷,「指針媒介」更將曼谷的美學延伸向香港、可倫玻、以及杜拜等地複製再現,並對有同樣條件的香港形成嚴重威脅。二○○四年日本威權設計雜誌《AXIS》選出的「亞洲十大設計新秀」中,泰國設計師即包辦其中四名,與日籍設計師不相上下,並列第一。去年剛獲得「全國十大最佳設計師」殊榮的阿努亞克,儘管擁有兩個品牌事業,作品也已外銷至全球,但他的企圖不只于此,他希望能帶著泰國當地年輕的設計師,繼續不斷在全球各地設立更多新的品牌,在國際村中打造一個全然屬于曼谷美學的品牌社群。若說泰式美學的蔓延,單單只是因為泰國的美麗環境與樂觀天性,當然失之簡約,在台灣,跨國唱片公司與好萊塢電影的強勢,網路分享、下載、盜錄的蔓延,總被當成文化產業潰不成軍的理由,但與台灣淵源頗深的歌萊美總裁黃民輝直接指出,這些「外患」在泰國市場無一不存在,泰國從不曾獲得五大唱片與好萊塢電影的最惠國待遇,「本土文化工業要成長,靠的是對文化的敏感,以及獨創的商業策略,」他指出。以唱片公司的經營為例,黃民輝就自始沒像台灣同業一樣,採取「向美國取經」的「工作室」分工作法,反而選擇由發掘新人、簽約經紀、發行、媒體、營銷到版權管理一手統包的企業策略,這使歌萊美能放手企劃、管理旗下的內容版權。當有了媒體,公司便很容易捧紅歌手,一旦掌握通路、KTV和演唱會,音樂周邊營收自然滾滾而來,即使遭遇網路下載的難題時,也能化危機為轉機--先一步開發出好用軟體,提供更方便下載的付費服務。相較于台灣小公司單打獨斗、暴露在無邊的高風險下,「我們則是集合音樂、電影、媒體與網路三位一體的王國,」黃民輝笑著說。曼谷美學經濟模式 ... Full story

瑞典流行音樂終極解密(轉載-音樂周刊88期)-2006.01.09

陽光 . 和諧 . 活力瑞典,當今世界上僅次於美國和英國,位居第3的音樂輸出國。從上世紀七十年代風靡全球的“阿巴”(ABBA)旋風開始,瑞典的流行音樂產業得到了蓬勃的發展,現如今,瑞典首都斯德哥爾摩已經成為了歐洲乃至世界流行音樂的重鎮。  從流行音樂的詞曲創作、期間混音、數字音效加工及至發行、推展等一系列的市場運作,甚至到音樂周邊領域的設計包裝等等,瑞典都有一群世界頂尖的專業人士操刀,對於這些人來說,他們的工作是全球化的,他們的音樂觸角已經延伸到世界的各個角落,瑞典流行音樂一開始就是瞄準全球化市場的,除了打造本土國際級藝人團契外,他們也為眾多的外埠歐美巨星量身訂做熱門單曲和白金唱片。  瑞典流行音樂已經不僅僅屬於瑞典這個國家,它已經是全球流行音樂文化的重要組成部分,並且仍在以一種全身而動的活力不斷地參與締造流行音樂的世界奇跡。  無處不在的祕密  ◎另一個共同點  布蘭妮(Britney Spears)、“西城男孩”(Westlife)、“後街男孩”(Backstreet Boys)、“超級男孩”(N’Sync)、席琳 . 狄翁(Celine Dion)和詹尼弗 . 洛佩茲(Jennifer Lopez),他們之間有什麼相同?“歐美流行巨星”、“大腕”、“流行音樂偶像派”、“英俊帥男、姿色美女”等等可能是很多流行樂迷的第一答案,那今天你會知道另一個答案︰他們都曾在瑞典錄製過世界排行榜熱門單曲以及多白金銷量單曲唱片,而這些熱門音樂作品從創作、策劃到製作都是由瑞典音樂人所完成的。  布蘭妮的《愛的初告白》(Baby One More Time)、詹尼弗 . 洛佩茲的《玩》(Play)、“超級男孩”的《再見》(Bye Bye Bye)、克裡斯蒂娜 . 阿奎萊拉(Christina Aguilera)的《過來寶貝》(Come on Over Baby)以及所有“後街男孩”的國際熱門歌曲均出自瑞典人之手。  ◎瘋狂青蛙  今年夏天風靡全英的暢銷舞曲《瘋狂青蛙》(Crazy Fog),不僅把原先排在銷售榜第一位的“酷玩”(Coldplay)樂隊的最新單曲《音速飛行》(Speed Of Sound)從冠軍寶座拉下,而且還首次創造了非人類主角演唱單曲佔據排行榜首位的奇跡,隨後該單曲的手機鈴聲也同樣風靡英國。其實奇跡的真正締造者卻是一群瑞典人,從最初“瘋狂青蛙”的雛形創意到動畫加工、節奏的加入和“提速”直至最後“一只戴著頭盔的藍色青蛙咧著大嘴在唱歌”的形象定位,都來自瑞典製作班底。  ◎海倫娜 . 帕帕日祖埃(Helena Paparizou)──第50屆歐洲電視歌曲大賽冠軍 “歐洲電視歌曲大賽”(Eurovision Song Contest)從1956年第一次舉辦到今夏在烏克蘭基輔的第50屆,已成為具有優秀道統的歐陸年度音樂大賽,雖然只是歐洲範圍內的音樂賽事,但是已經成為眾多本地音樂藝人走向國際舞台的最佳跳板,1974年,來自瑞典的“阿巴合唱團”正是以一曲《滑鐵盧》(Waterloo)獲得當年大賽冠軍,從而打開國際市場。今年的冠軍被希臘籍女歌手海倫娜 . 帕帕日祖埃摘走,其實我們進一步了解到,她雖代表希臘,卻長在瑞典,並且主要的音樂訓練都是在瑞典完成的。  ◎美國方面──瑞典姑娘利娜(Leana)  ... Full story

後唱片時代的大餅在哪裡?(轉載)-2006.10.13

作者:陳梅毛 出版日期:2006-10-13 IFPI國際總會於「2005年數位音樂市場研究報告」中指出合法音樂網站於2004年呈現四倍成長,目前已超過230家,音樂曲目的提供較去年成長兩倍,已達到100萬首歌曲,超過2億首單曲付費歌曲被下載,較去年成長十倍以上。僅僅一年後,全球付費下載的數位音樂產值,更由2004年的3.8億美元,攀升至2005年的11億美元,占整體音樂市場比重已達6%(預計2008年可望突破30%),下載量也倍增為4億多首。 在國際上這樣的一片榮景聲中,台灣的情況又是如何?繼本刊六月號的「創作有理,分享無罪」採訪網路音樂下載平台的專題之後,我們將繼續往音樂工業的上游探討,訪談前魔岩唱片總經理,現在經營streetvoice部落格平台網站的Landy張培仁、滾石集團著作權事業處法務部段書厚、華納音樂總經理劉天健,以及在這股音樂潮流中堅持提供道地音樂知識的ELVIS數位音樂誌主編段書珮,討論這股數位音樂風潮的後唱片時代,台灣音樂界如何因應看待。音樂產業變了,台灣的唱片業在這10年間,對這個轉變有著相當刻骨銘心的感受。數十萬張、甚至上百萬張唱片的銷售量就像泡沫經濟時上萬點的股市一樣一去不回,大家都見證了那個時刻,在那個時刻沒人想得到以後再也見不到這種榮景,大家都還看好著未來,然後直到那個時刻過去,像是上一刻還交心交肺甜言蜜語的愛人在下一刻就轉身離去一樣,這短短的10多年,台灣唱片業面臨了市場最大的改變。在10多年前,破百萬張銷售數字的專輯不少,像是張學友的「吻別」(136萬張),張惠妹的「BAD BOY」(125萬張)、「姊妹」(108萬張),江蕙「酒後的心聲」(116萬張)....,即使是非主流的、非天王天后的唱片例如金門王李炳輝的「流浪到淡水」也有驚人的70萬張的銷售成績,反觀今日,近幾年年年銷售第一名的周杰倫則大約是在30-40萬張之間,台灣正版唱片市場的銷售總數量,從1997年的4千7百6十萬張(總產值約123億)逐年下降,到2004年只有1千5百萬張(總產值約44億),2005年的產值更掉到31.5億,今年2006上半年唱片零售業績又比去年2005同期衰退3成從以上。數據可以看出,無論是個人天王的銷售量或是整體市場的總額,已經只剩以往的25%左右了。10年間這樣的轉變不只是因為盜版與p2p非法下載侵蝕了唱片業,更確切的說法是「音樂界正面臨後唱片時代的革命性改變」,2004年2月,素有「唱片通路王國」之稱的美國淘兒唱片行(Tower Records)申請破產(淘兒唱片在2003年底退出台灣市場),而i T u n e s 則在2005 年營收達6億美元,較2004年的2億美元成長3 倍( 這簡直就跟亞馬遜只花4年時間營業額就超越1000多家分店,有125年歷史的美國最大連鎖書局Barnes&Noble的故事一樣),很清楚地傳達出一個後唱片時代殘酷的現實,那就是唱片業勢必改變既有的通路模式。透過網路而存在的數位音樂內容,產生了最根本性質變的通路革命(尤其對唱片公司而言),姑且不論非法下載對唱片產業的重大傷害,音樂消費市場的急速轉變,網路的確已成為唱片業者又害怕又期待的新興通路。這場通路革命從網路銷售來說分為兩種,一是亞馬遜、博客來這種販售實體商品的網路書店,無論在美國、日本、韓國...全世界的實體書店都感受到虛擬書店的嚴重威脅。網路書店的書目豐富,分眾讀者創造的「長尾效應」(long tail),是實體書店無法匹敵的原因之一,而當此類網路書店紛紛跨足影音產品的時候,對傳統的唱片行通路來說,自然也是一大打擊(博客來網路書店2005年營業額11.5億元,其中影音商品占20%,2.3億元)。而第二種的網路音樂下載,除了更佔盡長尾效應的優勢之外,更因為便宜、容易儲存、與電腦與隨身聽整合的優勢,而成為這場後唱片時代革命的最主要因素。目前數位音樂市場的兩大主流分為線上音樂與手機鈴聲下載,這部分的榮景每個人都看到了,台灣的唱片業自然不會沒看到,滾石集團很早就試圖進入這個市場,在1999年成立「滾石可樂」發行結合多位另類藝人的MP3合輯,讓樂迷可以上網下載,然而由於未能創造有效的獲利模式而成效不彰,只成為獨立音樂創作者的一個發聲管道。2002成立了「滾石移動」進行手機加值服務,2005年1月起開始盈利,2005年營業額近2千萬美元,是成立四年來第一年獲利。2006年的營業額目標是5千萬美元,獲利目標1千萬美元,並計劃下半年到那斯達克(Nasdaq)掛牌上市,可望成為亞洲第一家以數位音樂定位到美上市的公司。顯見手機鈴聲下載的服務,拜手機加值市場的成長而得到良好的發展。然而線上音樂的開疆闢土,則顯得困難重重。「滾石可樂」的音樂下載無法獲利並非唯一,受到2003年4月iTunes一星期賣出1百萬首歌曲的激勵(到2005年,蘋果的iTunes音樂下載網站已經佔據美國合法音樂下載市場的82%,該公司己售出超過5億首音樂以及2200萬臺iPod),台灣一代媒體霸主年代公司也投入鉅資建立iMusic網路音樂平台,向唱片公司購買合法版權於2004年4月開始收費服務,但到2005年8月因為虧損而結束營業。數位品牌大廠明基比年代更早一個月在2004年3月時推出QBand網站,但也自2006年1月1日起暫停台灣地區服務。台灣的數位線上音樂這塊大餅很多人都想嘗試,但是怎麼吃到,事實上並不容易。一方面是同業之間的價格競爭,未獲得合法授權的Kuro飛行網跟ezPeer這兩家近幾年飽受官司纏身的P2P網路業者,以一個月99元吃到飽的方式讓iMusic跟QBand這種單曲下載計費(一首歌20-40元左右)的廠商在價格上無法與之競爭。另一方面是跟唱片業者之間的磨合,包括授權、合法下載規格的建立(DRM,Digital Right Management數位版權管理)、付費、收費的高低與機制。換言之,是整個市場機制建立的探索跟磨合期。法律訴訟是保障合法授權業者的重要手段,也是iTunes跟Napster消長的關鍵之一。目前台灣Kuro飛行網跟ezPeer的會員人數的成長處於停滯甚至衰退,而合法授權的KKBox與Yahoo!奇摩音樂則順利成長(尤其Kuro的敗訴更讓KKBox的會員人數快速增加),跟唱片公司和解取得授權,已經是台灣線上音樂網站必走的路了。於是跟IFPI(國際唱片業交流基金會)經歷四年訴訟的ezPeer在今年的6月29日與IFPI握手言合,加入合法授權的陣營。Kuro飛行網也表示希望盡快與IFPI取得和解,將與其他業者公平競爭。在這場後唱片時代的通路革命中,我們一方面可以明顯看到舊通路的急速衰退(實體CD銷售金額逐年下降),另一方面新的通路卻只能說是剛剛起步,相較於國際上2005年數位音樂付費下載11億美金約360億台幣的產值,台灣2005年這部分的產值是7億台幣(2004年是3億台幣),雖然成長的遠景讓人充滿期待,但是對唱片公司來說,目前的產值還遠遠無法跟以往的實體唱片產值相提並論,在這個通路革命此消彼長的過程中,他們還有苦日子要熬。但是對線上音樂業者來說,又何嘗不是苦日子?目前的授權機制裡,網路業者要付一筆「預付金」給每家唱片公司,這筆預付金是依照每家唱片公司發行歌曲的數量,未來一年會為網路公司創造多少營收來計算,如果不到一年就扣完,網路公司每個月再付差額,如果沒有扣完,這筆錢也就收進唱片公司的口袋裡。另外,授權金依照點對點傳輸、串流音樂或是單曲購買也會有不同的抽取比率,目前以單曲購買最高,占每月營收的65%,其他從40%到60%不等,每家唱片公司再依照網路公司的每月報表,以歌曲播放率進行拆帳。分給唱片公司後,剩下營收的20%,還要拆給金流業者,線上音樂業者真正放進口袋的其實很有限。正計畫在台灣目前四大線上音樂服務網站之後,踏入這塊新興市場的博客來網路書店便因為唱片公司要求「預付」權利金,認為會造成沈重的資金負擔,而尚未決定如何進入這個市場。另一方面的苦則是版權部分,台灣的歌曲版權散落四方,缺少專門的仲介平台來彙整並釐清歌曲的版權,也因此線上音樂業者必須分頭去確認歌曲各部份的版權,並進行授權簽約,這些確認與洽談的動作皆需花不少時間與成本處理。反觀蘋果iTunes的成功,一方面是取得合法授權的順利,另一方面是因為iTunes在面對唱片業者的擇善堅持(當然也是實力作後盾)。其實全球4大唱片業者EMI、Sony BMG、Warner Music、與Universal一直對每首歌曲下載費用為99美分的協定不太滿意,他們有意將下載率高的新歌或流行歌曲下載費用調高至高於99美分,至於下載率較低的老歌,費用則可以低於99美分,企圖提高唱片公司在這部分的收益。更關鍵的是,有多少產業是由零售商決定產品價格的?以往實體唱片賣多少錢可是由唱片公司決定的,於是唱片業者企圖重掌數位音樂市場的價格決定權。但蘋果堅持99美分的價格,也堅持下載費用的統一,蘋果執行長Steve Jobs認為,蘋果有能力銷售那麼多歌曲,正顯示蘋果堅持統一歌曲下載費用為99美分是最符合市場需求的(根據美聯社的報導,Steve Jobs甚至直指這些唱片業者有點貪得無厭)。事實上P2P免費下載的威脅還沒真正解除,在擴展願意加入付費機制消費者的階段上,提高下載費用,增加合法業者的負擔,可能會讓市場成長遲緩,對唱片公司而言可能是未蒙其利先蒙其害。但即使目前對台灣的唱片業者跟線上音樂業者而言都是苦日子,趨勢還是推著大家必須繼續前進。當消費者購買音樂的模式,從一張一張的專輯變成一首一首的歌曲,甚至被切為一段一段的旋律(手機鈴聲)販售時,通路的革命最後引導出來的也是產品的革命,音樂販售通路的改變勢必產生對不同音樂產品的需求。誰能繼續提供符合潮流的產品,誰就能生存下去。音樂不死,只是正在革命。文章來源:http://www.itmag.org.tw/magazine/article_single_359.htm Full story

泰國電影正在快速掘起(轉載)-2006-05

「李小龍死了,成龍累了,李連杰弱了,現在東尼嘉Tony Jaa來了!」文/林蔓繻這是泰國影片《拳霸》在台灣上映時的廣告詞。東尼嘉是誰?可以這麼狂妄自誇?他比李連杰小20歲,法國大導演盧貝松Luc Besson驚為天人的亞洲新一代動作巨星。他每天早上5點就起床,不停的練習與學習,直到晚上10點才休息,算得上是個不折不扣的武痴。擅長跆拳道、劍術、體操,也擅長模仿李小龍、李連杰和成龍。因為《拳霸》這部電影在世界各地的火紅,讓泰國正式向全亞洲甚至好萊塢電影宣戰︰「泰國不僅有人妖,現下還有電影。」泰國電影工業的快速成長,簡直就是超乎想像。目前亞洲電影工業的前五強,依序是日本、韓國、香港、中國大陸和泰國。但是在亞洲電影一陣不景氣聲中,下一個電影新勢力,正慢慢指向泰國。曾經跌入谷底九十年代,在好萊塢電影的衝擊下,泰國影片開始走下坡路。1997年的經濟危機後跌入谷底,從年產百部電影到一年只剩下十部,影視傳播公司紛紛倒閉,戲院數量銳減。到2000年竟然只有屈指可數的7部電影問世,泰國電影面臨著嚴峻的生存考驗。如今在泰國政府有計畫的培植之下,影片爆增七八倍,每年約生產75部的電影。重要的是,泰國影片現下已經兼顧藝術性和商業性,陸續得到國際上影展和票房的肯定。相較於台灣去年(2004年),只有24部的劇情片。而且以藝術電影居多,電影收入合計(含紀錄片及短片)只占台灣總票房之1.59%,更遑論及國際票房。為什麼他們能,台灣不能?泰國一直以來,治安並不穩定,台灣相對擁有更好的條件跟環境,來發展電影工業。但台灣的電影事業,還在被譏為「扶不起的阿斗」時,泰國電影已經一飛沖天,引領亞洲市場的票房。他們是怎麼辦到的?→政府有計畫培植泰國電影工業可以快速發展,和政府有計畫的推行各項政策有關。和台灣挖東牆補西牆、該管的不管、不該管的管一堆,做秀式光說不練的政策,有著天壤之別。澳洲製片羅斯 (Ric Lawes)最近完成一本近九百頁的「泰國電影工業導覽」,成為全球各製片廠前往泰國拍片的必讀聖經。詳細介紹泰國對於外國電影產業的致命的吸引力,包括工資成本低廉、官方單位配合,對於私人製片公司而言,不僅可以減低預算,也可以排除不確定的原素。還把外國明星的所得稅,從37%大幅降到10%,這樣的吸磁效應,對亞洲其他地區的電影工業,已經構成巨大威脅。→泰國美景入鏡現下的泰國,已經成為國際影壇重要的電影外景基地之一。因為泰國優美的自然景觀和具有地方特色的建築,吸引了大批來自歐美、印度以及中國等亞洲國家。前來泰國取鏡的電影業者愈來愈多,最著名的當屬李奧納多主演的《海灘The Beach》,在Ko Phi Phi Ley(披披群島,簡稱PP島)的馬亞灣取景,讓PP島聲名大噪,使得PP島成為泰國另一個旅遊勝地。奧立佛史東執導的電影《機戰未來》,設計讓主角到泰國渡假,一攬湖光山色,留下許多令人難忘的場景,而達到對這部電影的加分效果。光是是這部電影在泰國取鏡花費的預算,就高達二百萬美金。根據泰國Kasikorn經濟研究中心2006年3月所公佈的報告指出,除非發生政治動亂,外國片商前來泰國拍片的電影產值,在今年可望上揚七成五,達到二十億泰銖(台幣十六億七千萬元)。泰國人工便宜,飯店不貴,政府也以最高效率協助劇組人員,器材通關,讓泰國可以成為好萊塢電影的大片場。但唯一注意的是,泰國最近暴動頻傳,這可以說是泰國政府發展電影事業最大的隱憂。→後製帶動電影工業這幾年來,泰國已經成為國際影壇重要的電影後製基地之一。美國好萊塢電影在亞洲放映前的工作幾乎全部在泰國進行,受此影響帶動,泰國電影業的各類硬體、從業人員水準得到了明顯提升,也使泰國電影的水準得以突飛猛進。國際知名攝影師杜可風 :「美國電影,國外電影把這裏當作很重要的創作空間,很多很多技巧、設備,很多創作製作的觀念,都被傳到泰國社會。」→新銳導演的掘起泰國電影崛起的最關鍵原因,還是在於一批新生代導演的出現。他們經歷過好萊塢的影技薰陶,在拍攝手法上,強調利用先進的技術,實現美術設計和攝影的唯美感與創新性;在內容上則以商業化的外殼包裝展現泰國民族文化的本土認同。◎巴猜平橋Prachya Pinkaew巴猜平橋生於1962年,是一個才氣橫溢的中生代名導。原本在大學主修建築,1990年開始擔任美術指導與執行導演,一直到1992年開始拍攝音樂錄影帶,並且拿下多次泰國最佳音樂錄影帶獎。1992年執導他的第一部電影【魔鞋The Magic Shoes】,1994年完成第二部電影【藍色浪漫Romantic Blues】。他在1999年開始籌備功夫大片【拳霸】,直到2003年完成本片時,【拳霸】即被選為當年度泰國影展的閉幕片,同年也到多倫多影展參展也擔任釜山影展開幕片。導演也同時是泰國獨立製片界的一把交椅,監製過許多有名的電影,包括了【Body Jumper】(2001),動作諧劇【Heaven 7】(2002),恐怖片【999-9999】(2002),本片同時也是釜山國際影展參展片,音樂劇【Hoedown Showdown】。而2003年他製作了諧劇片【Sayew】,贏得2003西雅圖國際影展榮譽表揚獎,恐怖片【The Unborn】,也是印度2003國際影展參展片,與藝術片【Fake】,參展2003年溫哥華國際影展。◎朗斯‧尼美畢達Nonzee ... Full story

台灣近代搖滾唱片設計簡史(轉載)-2006.06

「聽到狗聲,想到狗標」 台灣近代搖滾唱片設計簡史文.圖∕中坡不孝生   「聽到狗聲,想到狗標」這是一句很古早以前,大約是50年代左右一家男仕西服的電台放送廣播文案;雖然已經過了將近40年的歲月,母親仍會把它當作如諺語般的句子脫口而出,可見優秀的廣告設計或文案給人極深的印象,往往是一輩子的。  相信對英美流行或搖滾樂「很了」的妳∕你隨口就能說出不少早已成為「聖像圖騰」的經典專輯封面案例:不管是Andy Warhol替Velvet Underground設計的「大香蕉」,還是Beatles《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》的「名人排排站」;甚至聽見Sex Pistol的’God Save The Queen’腦海中便會浮現出一張被粗暴地斯去了眼睛與嘴巴的英國女王伊麗莎白二世玉照,還有Pub、唱片行最愛張貼在店門口自我標榜或招攬客人的The Clash《London Calling》封面,那張貝斯手Paul Simonon岔開雙腿,狠砸愛琴的激情黑白照片……實在太多,不勝枚舉。可是在被問到「你/妳印象最深刻的台灣唱片封面設計?」的時候,往往是啞口無言,說不出所以然的。設計真空的20年(1950至1970年代)  其實,以四件式編制的搖滾樂團表演形式早在貓王Elvis Presley在美國大紅大紫的時候就已經隨美軍駐台傳入台灣,並被當時的人們稱之為「熱門音樂」;在台灣的文化脈絡中,這個詞指的多半是西洋的-特別是美國的-受到年輕人所歡迎的音樂。搖滾樂的最初接觸者與在台灣落土生根之處大多是在眷村,從楊德昌的電影「牿嶺接少年殺人事件」就呈現了50年代的時代氛圍-眷村青年組成的樂團翻唱「貓王」的歌曲。  搖滾樂到了60、甚至70年代的民歌時期仍舊以餐廳駐唱與翻唱當紅西洋流行樂曲為主,並未有創作樂團出現,沒有發片,自然沒有唱片設計可言。而一般流行歌手的唱片封面製作則都採取這樣的模式:「台灣早期沒有所謂的唱片設計這件事,大都是唱片公司老闆帶著即將發片的歌手到重慶北路拍宣傳照,然後拿照片到印刷廠告訴老闆歌手的名字和曲目,叫他們排一排版就大功告成了。」曾幫羅大佑、伍佰、陳昇、趙傳、李宗盛等滾石唱片旗下歌手作封面設計的李明道表示,台灣正式開始有唱片設計這個行業是在70末、80初的民歌後期才出現。因為當時台灣經濟起飛,國民消費水準提高,唱片公司願意花多一點預算作更精緻,能吸引消費者目光與刺激購買慾的包裝,「不過,一開始並沒有設計師或專門做唱片設計的人,一般就交給廣告公司,如國華廣告。」於是,千篇一律的歌手大頭照加上俗麗顏色的手工美術字成為這個時期唯一的風格。純情的木吉他校園風格(1970年代)  民歌在70年代末打入主流社會,新格唱片的「金韻獎」合輯成為校園民歌手發表創作的舞台;當時的合輯封面往往只標註負責設計製作的廣告公司名稱而未標明設計者,以新格唱片「金韻獎」合輯為例,形式風格大多是用手繪插圖抱著木吉他的男女大學生,偶爾則使用藍天白雲的風景照綴以手繪字體,再不就是當時流行的現代主義極簡線條風格。後來民歌漸漸成為商業音樂的一種商品形式,許多公司紛紛以「民歌偶像」、「文藝青年」、「校園美女」的形象為旗下歌手包裝;於是,綠草如茵的操場、紅磚斑剝的校舍古牆、陽光沙灘仙人掌成了歌手拍攝全身或半身照最好的唱片封面背景。以潘安邦名作《外婆的澎湖灣》為例,封面潘安邦趴在草地上手裡拿著類似書信的紙張露出燦爛笑容,封底則是擺出畫家在卵石遍佈的河邊寫生的姿態。  後來八零年代初的一些著名專輯封面依舊延襲民歌時代的手繪插圖風格,如張艾嘉的《童年》與花草插圖搭配歌手照片的羅大佑《青春舞曲》。黑白酷勁與硬漢重金屬(1980年代)  當「清純自然」的形象大量地被製造與使用之際,原本民謠扮演的「校園/知識份子代言人」角色同時也宣告了邁向死亡。但在1982年,突然有一個本來應該穿上白袍的醫學院學生,用一身黑色勁裝的形象與搖滾樂,像用炸彈一般的震醒了保守沉睡的台灣社會,這個人就是羅大佑。1982的首張專輯《之乎者也》讓台灣終於出現了第一張歌手不再以「賣笑」討好消費者的「低調」唱片封面。由杜達雄設計、鄭康生攝影的《之乎者也》,用紅、黑、白傳統上具有「革命感」的顏色為基調:紅色的「之乎者也」剛硬的宋體字表現出對大時代的熱血批判與沉重抗議,黑色背景前穿黑皮衣一頭長捲髮的羅大佑露出的左臉上面無表情,白色的「羅大佑」字樣如鋼印般烙在封面的右下角。對當時戒嚴的社會氣氛來說,這樣的形象已經夠叛逆了,甚至「可怕」,但把歌手名字和專輯名稱直接擺在上面的方式,仍「酷」的不夠。  之後杜達雄替滾石與飛碟唱片製作了很大部分的專輯封面,大量應用了現代主義式的簡潔流利直線硬邊和方塊三角圖形編排與黑白對比、單一色調攝影照片。雖然杜達雄先生在專訪中表示,喜歡用上述元素只是個人風格偏好,而且在照相製版的時代,手工製作起來比較方便;但參照國外同時期的平面設計與服裝流行風格來說,去性別(中性)與隱藏個性是80年代顯著的特色,穿著黑皮衣的男性重金屬樂手留著一頭長髮,電子樂手畫起濃妝,女性削短頭髮穿起大墊肩倒三角式的套裝遮蓋身體曲線,高腰牛仔褲與碎花長裙下踩著白色籃球運動鞋;冰冷無個性的玻璃維幕大樓拔地而起,毫無流線型的硬邊「霹靂車」滿街橫行;鏗鏘有力的電子合成旋律與鼓打下去還會有回音的硬漢重金屬是這年代的時興,不知不覺的,「酷」成了80年代的代名詞。  「我印象中第一個唱片設計師的名字大概是杜達雄,再來就是陳偉彬,然後是楊立德。」蕭青陽說,早期的唱片設計師往往就是幫藝人拍宣傳照的攝影師,封面設計、造型、拍照都一手包辦,像杜達雄做潘越雲在滾石全盛時期的專輯,張艾嘉的《忙與盲》與羅大佑的早期作品;楊立德幫蔡琴、蘇芮拍的封面;陳偉彬設計的黑白色調蘇芮《搭錯車》電影原聲帶,都是令蕭青陽印象深刻的設計師代表作。  此後,滾石與飛碟成為形塑台灣唱片封面美學的田圃搖籃。「滾石李明道」與「飛碟杜達雄」是最響亮的兩個名字,幾乎包辦了80年代台灣唱片的90%以上的封面設計,直到1986年水晶唱片成立,引進另一套西方另類獨立廠牌美學觀點之前,主流唱片公司大都還是繞著歌手的照片打轉。  值得一提的是,80年代除了丘丘合唱團、紅螞蟻、薛岳與幻眼樂團等發片而為人熟知外,1986年6月,由賈敏恕、吳旭文、張乃仁等六人組成的「青年」樂團,史無前例地在西門町新聲戲院買下巨幅看板,來勢洶洶地宣告發片;不幸地,由於專輯內10首歌曲送審未過關,僅有一首單曲「蹉跎」可公開播放。發片兩個月後,唱片銷量奇慘,廣告看板遭撤,「青年」在次年(1987)因團員入伍,宣告解散。然而,同名專輯由發堀紅螞蟻樂團的製作人方龍泉所攝影與設計的三島由紀夫式黑白肌肉男寫真封面,卻展現了不同於前述三個樂團以成員照片為專輯封面的創意,更為青年樂團悲壯的歷史留下見證。  1988年,水晶唱片創業作出版趙一豪擔任主唱的Double X樂團的處男作《白痴的謊言》算是預告90年代「另類」大行其道,比6年前《之乎者也》「拒絕」得更徹底的黑色里程碑,設計者不詳的全黑色封面只印著團名與專輯名稱。對當時的主流公司來說,這種低調,「大拒絕」式的陰暗誨澀風格無疑是自檔財路。然而水晶自創業即以引進、代理與推廣美國硬蕊龐克名廠SST,英國80年代的三大獨立名廠Factory、Rough Trade及4AD為業務,順勢將國外「另類」廠牌的設計美學引進台灣。此外,1989年,李明道幫黑名單工作室《抓狂歌》設計的土藥商標封面極之後再版的紅螞蟻同名專輯封面上的綠底橘紅色螞蟻圖形均為往後唱片封面設計的轉向與多元開放預埋伏筆。反攻主流的另類思潮(1990年代)  1991年,趙一豪單飛專輯《把我自己掏出來》因歌詞大膽露骨成為解嚴後為一「榮獲」新聞局「有違社會善良風俗」認證而遭查禁的專輯;黑白色調,被肢解四散的趙一豪相片讓設計師劉開成為90年代第一代台灣獨立廠牌的化妝師;在杜達雄口中,劉開是一位個人風格強烈的設計師,以設計「文藝圈」人士的案子為主,參與的廠牌除水晶外,代表作即真言社和波麗佳音合作時所發行的Baboo樂團同名專輯、林強《春風少年兄》和《少年ㄟ,安啦!》電影原聲帶。  受到喜以混亂拼貼挪用的後現代主義思潮與「新表現主義」繪畫諧擬權充的模仿再製風格影響,80年代冷酷陽剛、一塵不染、簡潔明快的現代主義風格就此被打垮;強調性別自主,強調手工率性,強調「只要我喜歡,有什麼不可以」的個人主義抬頭氣氛隨著解嚴後的開放民主,街頭不斷的示威遊行全面爆發。於是,這時期的台灣唱片包裝除了港星入侵或偶像藝人仍舊以攝影師導向的唯美照片作號召外,水晶、真言社及友善的狗旗下的創作藝人及樂團都紛紛展現了手繪與DIY拼貼的「純藝術風格」;較具代表性的有1993年友善的狗旗下刺客樂團《你家是個動物園》、1994年發行的《台灣地下音樂檔案Ι》與同年發行的陳珊妮《華盛頓砍倒櫻桃樹》親手繪製的封面,以畫家李明中畫作為封面的林強《娛樂世界》專輯、1995年陳珊妮《乘噴射機離去》等等。  1994年以後,唱片包裝開始有大量朝向作紙殼特殊設計傾向。一開始可能只是獨立廠牌如友善的狗設計師與創作音樂人的創意發揮,如黃韻玲的《黃韻玲的黃韻玲》專輯,或單純展現對黑膠時代紙殼封套質感的懷舊情緒;後來唱片公司發現特殊包裝具有吸引消費者購買收藏的效果,開始大規模採用,甚至影響主流大公司後來用附贈海報、VCD的大型紙盒作偶像藝人的包裝,最後演變至今造成「音樂內容不重要,華麗包裝人人愛」的怪象。  其後,扮演「另類藝人偶像化」推手的魔岩唱片於1995年成立,第一張發行的唱片《伍佰的Live》讓另類「毒藥」透過商業「糖衣」包裝反攻主流;由李明道設計的封面將電腦拼貼影像的效果徹底發揮,此後這種炫麗的電腦影像處理畫面成為李明道為人津津樂道的設計風格;此外,後來入圍2005年葛萊美唱片設計獎的蕭青陽也在魔岩的歷練中逐漸嶄露頭角。同年,骨肉皮與濁水溪公社的處男作也由友善的狗以「一九九五台灣地下音樂」的名義發行,均是以白色為底,搭配由電腦影像處理的簡單插圖。... Full story

Kerrang! The 100 Best British Rock Albums Ever!(轉載)2005.2.19

As Voted By The Readers – 1ssue #1044 - Feb 19 20051. Black Sabbath – Black Sabbath - 19702. Iron Maide – Number Of The Beast – 19823. Sex Pistols – Never Mind The Bollocks… - 19774. Led Zeppelin – IV – 19715. Black Sabbath – Paranoid – 19706. Muse – Absolution – 20037. The Clash – ... Full story
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